La concepción de Aronofsky de La Ballena se centró inicialmente en torno al guion y las actuaciones, sobre todo. Pero sabía que la configuración de una sola ubicación, la de el departamento de Charlie — era un personaje crucial en la narración visual de la película.
A fin de cuentas, La Ballena puede ser la más película simplificada que Aronofsky haya hecho hasta ahora. Pero eso no significa que el proceso de diseño haya sido simple o fácil. Descubrir exactamente cómo sería la casa de Charlie, qué se debería considerar para sus limitaciones de movilidad, dónde y cómo se la vida interior (o la vida pasada con Alan) saldría a la luz, fue un proceso minucioso, impulsado por los personajes.
El ensayo comenzó cuatro semanas antes de la producción en el Umbra Estudios, en Newburgh, Nueva York. Cada escena fue meticulosamente bloqueada, y el piso fue filmado, mientras la dinámica entre los personajes pasaba de lo teórico a lo físico.
“Sabía que los actores estaban preparando sus viajes emocionales y quería darles tiempo para hacerlo, así que comenzamos con un bloqueo”, explica Aronofsky. “Si podíamos encontrar maneras de mantener las cosas en movimiento, resolvería uno de los principales desafíos de la película. La gran pregunta siempre fue ¿cómo hacemos que una historia que tiene lugar en un apartamento, y sobre todo en ambiente, se sienta realmente emocionante para la audiencia?”.
La respuesta vino de la colaboración entre Aronofsky y su antiguo director de fotografía, dos veces nominado al Oscar® Mateo Libatique. Juntos, trabajaron en todos los ángulos de la película antes del rodaje. Aunque Libatique y Aronofsky son conocidos por su uso de la cámara de mano, para La Ballena volvieron a los estilos más clásicos de movimientos de cámara, utilizados en The Fountain. A través de uso de grúas y plataformas rodantes, compusieron una lista de tomas centradas en amplificar la intimidad, la tensión y una especie de casi urgencia sin aliento, todo en un solo lugar confinado.
“Matty es mi compañero de armas, y es brillante en la forma en que utiliza la luz para pintar. Estéticamente, fue un verdadero punto de partida para nosotros desde nuestra última película juntos, ¡Mother!, que fue totalmente cámara en mano, pero vino lleno de ideas que me ayudaron a descubrir cómo mover la cámara por la habitación de forma interesante”.
La pareja miró varias adaptaciones teatrales de Hollywood, especialmente Who’s Afraid of Virginia Woolf de Mike Nichols y A Streetcar Named Desire de Elia Kazan pero, dice Aronofsky, “en última instancia, es necesario volver al texto. La historia siempre cuenta donde debería estar la cámara”.
La iluminación jugó un papel tan importante como el movimiento. “Matthew encendió el apartamento como si fuera una catedral”, dice Fraser. “Estaba constantemente chocando con pequeñas lámparas con el andador de Charlie. Es un maestro en el uso de la luz para cambiar el estado de ánimo y combinar el clima.”
Los diseñadores de producción Mark Friedberg y Robert Pyzocha, quienes recientemente trabajaron juntos creando la retorcida Gotham en Joker, tuvieron que pensar creativamente, usando un pequeño espacio para evocar un vasto mundo interno. El apartamento de Charlie cobró vida como un espacio modesto, acogedor y académico: muchos libros y marcos de fotos, pero también como una especie de refugio aislado, un lugar para ocultarse y permanecer cómodamente sedentario.
“Requirió una brillantez de parte de los diseñadores de producción darle tanta vida a esta habitación individual. Uno de los más grandes avances fue colocar el sofá de Charlie”, dice Aronofsky. “La mayoría de los apartamentos tienen el sofá contra una pared, pero ellos encontraron una manera de poner su sofá en el medio de la habitación, manteniéndola orgánica. Parece simple, pero eso abrió todo perfectamente y nos permitió muchas más oportunidades de movimiento”.
Cada faceta de la habitación tenía una razón de ser, hasta el último detalle. Los títulos de los libros en los estantes, que fueron sacados de la propia colección del escenógrafo. “En cada detalle, crees que este hombre vive allí”, dice Fraser.
Aronofsky también se reunió con el diseñador de vestuario nominado al Oscar Danny Glicker, con quien trabajó en Mother!
“Fue un gran desafío diseñar ropa que funcione con el maquillaje de Adrien”, señala Aronofsky. “La ropa que le queda a Charlie es difícil de encontrar en el mundo, por lo que Danny tenía opciones limitadas, con una paleta limitada y recursos financieros limitados, con las limitaciones técnicas. Hacer algo tan digno del personaje fue mucho más difícil de lo que parece”.
Durante la posproducción, la escalada emocional de la película se afinó en la isla de edición de Andrew Weisblum. “Andy tiene la sensibilidad más increíble a la historia, la emoción, y el timing. Es capaz de mantener los elementos conflictivos en su mente, y es capaz de combinar sus habilidades técnicas con una profunda emoción, como solo unos pocos pueden hacerlo”, comenta Aronofsky.
Weisblum quedó impresionado desde el principio por el optimismo de Charlie sobre el futuro, a pesar de saber que le quedan días de vida. Esta aparente contradicción se convirtió en un tema conductor en la edición de Weisblum. “Era consciente de que la película podría terminar siendo demasiado melodramática si no teníamos cuidado”, dice. “Pero la película tiene tanto humor y positividad que creo que supera eso. Y por eso, siempre sentí que era importante que las cosas se dieran muy naturalmente.”
Weisblum ya estaba impresionado con el dinamismo de la cinta que vio al principio de la producción y disfrutó del proceso de construir sobre esa base. “Darren y Matty habían encontrado maneras de mantener el ambiente cinemáticamente emocionante, usando las ubicaciones de la cámara, el encuadre y movimiento sin permitirse nunca volverse demasiado llamativo o tímido”, dice. “Durante la edición, Darren y yo hablamos sobre cómo íbamos a utilizar estas tomas gramaticalmente. En términos de ritmo, obviamente, fue un desafío porque la historia es muy lineal. Entonces, solo había tanto que podrías sacar o cambiar sin estar dañar la estructura. No había mucho margen de maniobra, pero encontramos algunos trucos para condensar y simplificar.”
Los toques finales de la película provinieron de Rob Simonsen con una música sensible y matizada. “Es la primera vez que trabajo con Rob, y descubrí que es una persona increíblemente curiosa, muy, muy trabajadora y capaz de superponer la melancolía con la inspiración de las maneras más hermosas”, dice Aronofsky. Weisblum comenta sobre la música de Simonsen: “No queríamos que la música forzara las emociones que ya eran fuertes o que sea demasiado estilizada. Rob hizo un gran trabajo al ayudarnos a encontrar ese equilibrio.”
A medida que aumenta la acción de la Ballena, cada elemento de la el diseño y las actuaciones crecen hasta su final trascendente. En respuesta, Hunter modificó ligeramente el final del guion del de la obra original.
En la versión escénica, la pieza termina con un corte a negro. En la película, vemos a Charlie dar un paso hacia la luz. Es un momento elevado, tal vez incluso fantástico. La audacia de ello excita a Aronofsky. “Matty y yo tuvimos la idea desde el principio de que el clima evolucionaría en el transcurso de la pieza. Siempre llueve, pero el último día sale el sol, así que cuando la puerta se abre, la luz cae sobre Charlie. Cuando se hace una gran elección como esa, solo tienes que poner todo lo que tienes y esperar que hayas hecho lo suficiente para que la audiencia vaya contigo.”
Weisblum señala que la escena fue diseñada como una imagen en espejo de la primera escena con Ellie. “Era importante configurar eso estructuralmente, estos dos momentos que se reflejan mutuamente, donde en uno Charlie falla y en el otro triunfa. Los patrones del corte y las opciones de toma de las dos escenas son muy similares. Pero el poder de esa escena final es que sabemos que Charlie está frente al final.”
Mientras filmaba, Fraser no estaba seguro de cómo funcionaría. Pero cuando vio la película terminada, el impacto lo derribó. “No pude deja mi silla”, recuerda. “Tuve que sentarme allí y reagruparme. No es que estuviera triste; simplemente estaba abrumado”.
La película terminada también fue una forma de consuelo para Aronofsky. Él perdió tanto a su madre Charlotte como a su padre Abraham el pasado año, y La Ballena está dedicada a ellos. “Mis padres estaban siempre en todos mis sets, actuaron en varias de mis películas y esta fue la primera vez que no pudieron venir al set porque las restricciones de Covid”, relata Aronofsky. “Mi mamá falleció antes de que tuviera un corte de la película, pero mi papá pudo ver la película con la dedicatoria a mi madre.”
La Ballena ha estado resonando más allá de sus confines desde que el público conoció a Charlie por primera vez en el escenario. Para Hunter, la película otorga Charlie una nueva vida mucho más allá de las expectativas. “Sobre todo, espero que la película sea una invitación para que la gente entre a la casa de alguien que nunca hayan conocido antes, y tal vez no hubieran imaginado encontrarse”, dice el escritor. “Y una vez que aceptas esa invitación, creo que el significado y la alegría de hacerlo se convertirá en algo muy personal”.