‘La Ballena’: Del escenario a la pantalla

Cuando se estrenó la versión teatral original de La Ballena en 2012, hubo cierta preocupación inicial. Incluso en el paisaje compacto de un escenario, ¿aparecería el público del teatro para ver un espectáculo donde el protagonista está tirado en el sofá todo el tiempo de ejecución? ¿Y qué hay de ese título? 

Al final resultó que toda la preocupación fue en vano. La obra de Hunter fue un éxito. En lugar de sentirse demasiado confinado, el público lo elogió por su amplia y panorámica interrogación del espíritu humano, por la autenticidad y el humor de sus personajes, y su meditación profundamente conmovedora sobre el dolor, la compulsión, y redención

Cualquier inquietud sobre la posible insensibilidad del título también se disipó rápidamente una vez que se entendió que Moby-Dick tuvo un lugar destacado en el programa, tanto literalmente y temáticamente. Charlie y Ahab no eran tan diferentes, debajo de todo; ambos hombres atrapados en la búsqueda de un sueño, intoxicados con lo que podría haber sido, obsesionados con la fantasía de otro futuro.

Después de su exitoso y animado debut en Denver, La Ballena se mudó fuera de Broadway en enero de 2012 a través de Playwrights Horizons, donde obtuvo una catarata de premios, incluido el Lucille Premio Lortel a la Mejor Obra, el Premio GLAAD Media y un Premio especial Drama Desk por contribución significativa a Teatro. También selló la creciente reputación de Hunter como un importante dramaturgo de estos tiempos, en sintonía con las complejidades de la identidad moderna y las grandes cuestiones clásicas del espíritu y la existencia.

Aronofsky tomó la obra al comienzo de su carrera en Nueva York, recién terminada su última película y pensando en su próximo proyecto. Ya se consagró como un cineasta con una singular voz cuyo trabajo desafió la categorización. Comenzó su carrera con el alucinante thriller Pi, antes de pasar a adaptar y dirigir la desgarradora fábula sobre adicciones Réquiem por un sueño. El clásico de culto de ciencia ficción alucinante The Fountain fue el siguiente, seguido de dos incursiones consecutivas en el thriller psicológico con The Wrestler y Black Swan. Aunque muy diferentes en tema y tono, las películas de Aronofsky (incluidas las que vendrían: la epopeya bíblica revisionista Noah y la mordaz parábola ecofeminista Mother!) compartía el hilo de exploraciones en la subjetividad, y la ruptura de barreras entre el yo y la historia.

Aronofsky sabía muy poco sobre La Ballena al comenzar; había comprado las entradas por capricho, intrigado por el título. Sólo después de que se encendieron las luces, en el resplandor del viaje de Charlie, supo que tenía que conseguir los derechos del espectáculo.

“Me conecté con los temas e ideas, y la forma en que encontró belleza en las cosas que nuestros prejuicios a menudo hacen inhumanas”, dice Aronofsky. “Me dolió el corazón, me hizo reír y me sentí inspirado por la valentía y la gracia que encuentra cada personaje. Asumí una pregunta que me gusta explorar en mi propio trabajo: ¿cómo transportas al público hacia personajes que nunca podrían imaginar ser? No sabía entonces sí podría ser una película, pero me reuní con Sam y conectamos de inmediato”.

El vínculo instantáneo entre Aronofsky y Hunter puso las cosas en movimiento. Ambos acordaron que Hunter debería adaptar su propio trabajo, el único problema era que él nunca había escrito un guion. Pero alentado por Aronofsky y por haber recibido una beca MacArthur Genius, Hunter comenzó a aprender por sí mismo la forma desde cero, estudiando lenguaje cinematográfico y estudiando cómo transformar su trabajo del escenario a la pantalla. “Sam es tan increíblemente talentoso que sabía que encontraría su camino”, dice Aronofsky.

Como ávido amante del aprendizaje, Hunter saboreó el desafío. “Eso fue una oportunidad de mirar la historia de nuevo con nuevos ojos y crecer como persona a medida que crecía la historia”, dice. 

También significó volver a sumergirse en algunos de los días más oscuros de su vida… El ímpetu para escribir La Ballena provino en parte de la propia experiencia de Hunter con la obesidad en la universidad. Aunque él desde que perdió gran parte de ese peso, sabía de primera mano lo que la gente como Charlie pasan física y socialmente. Mientras son muchas las causas de la obesidad, una enfermedad multifactorial que afecta más del 40% de los estadounidenses, Hunter trazó un vínculo directo en su caso entre su exceso de peso y sentimientos no abordados.

“Conozco a muchas personas que son grandes, felices y saludables, pero yo no lo era”, dice Hunter. “Tenía muchas emociones sin procesar de asistir a una escuela cristiana fundamentalista donde mi sexualidad se manifestó de una manera fea, y eso emergió en una relación enfermiza con la comida. Cuando comencé a escribir La Ballena, creo que todo salió de mí”. A través de Charlie, Hunter encontró un lugar para explorar el trauma y la ira que tenía en torno a su crianza. Cuando conocemos a Charlie, está en una especie de limbo literal y emocional; físico porque su tamaño le impide moverse muy bien, emocional del enorme dolor arremolinado que tiene hacia su difunta pareja, Alan. Incapaz de perdonarse a sí mismo por su propio papel en la muerte de Alan y profundamente culpable por haber abandonado a su joven hija y esposa, Charlie comienza a autodestruirse a través de compulsivos atracones.

“El dolor no procesado es la base de todo para Charlie. Está sufriendo de insuficiencia cardíaca congestiva, pero tal vez esté realmente muriendo del dolor que nunca ha reconciliado”, dice Hunter. 

Justo antes de escribir la obra, Hunter comenzó a dar clases en la Universidad de Rutgers, abordando la clase que todo estudiante de primer año ama temer: escritura expositiva. Su experiencia como profesor inspiró la elección de hacer de Charlie un profesor en línea, un trabajo que le permite a él esconderse físicamente del mundo sin dejar de ser capaz de comprometerse socialmente. Y fue esta elección de carrera para Charlie que eventualmente ayudó a Hunter a desarrollar las motivaciones de Charlie en el programa, y ​​por qué está tan desesperado por volver a conectarse. 

Como profesor de secundaria, Charlie estaría íntimamente familiarizado con lo importante que es, tanto en los ensayos como en la vida, tener una visión clara; defender la propia posición, omitir la pelusa innecesaria, para llegar al meollo del asunto tan claramente y de la forma más concisa posible. Es este sistema de creencias el que sustenta el deseo de Charlie de volver a conectarse con las personas en su vida, para atar hilos sueltos en la anticipación de una conclusión fuerte: lo que él cree que son sus últimos días en la tierra. “A nadie le gusta la escritura expositiva, pero recuerdo que llegué a un punto donde les estaba rogando a mis alumnos, que por favor solo escriban algo veraz. Escribe cualquier cosa en la que realmente creas. Esto fue cuando uno de mis alumnos escribió lo que ahora es una línea tanto en la obra y película: ‘Creo que necesito aceptar que mi vida no va a ser muy emocionante’. Nunca olvidaré haber leído eso porque fue como si un rayo de luz se abriera repentinamente en la página, y pude ver a esta persona y su humanidad iluminada”, Hunter explica. “Charlie está buscando eso, de sí mismo y de otros.”

La búsqueda de la verdad por parte de Charlie es lo que lo vuelve a poner en contacto con su hija distanciada, Ellie, quien disfraza sus heridas del abandono de Charlie con la gruesa y oscura armadura de su furia. Inicialmente, reprende cualquier intento por parte de Charlie de pasar tiempo juntos, solo cede cuando acepta ayuda en escribir sus ensayos escolares. “Como maestro, la única forma en que Charlie puede esperar conectarse con Ellie es a través de su ensayo de Moby-Dick”, dice Hunter.

Cuando Hunter comenzó a escribir su obra y a profundizar en la dinámica entre Charlie y Ellie, la experiencia se sintió extraña, casi aterradora para él. Nunca se había sentido tan abierto y expuesto antes de eso. “Me sentí completamente diferente porque estaba mucho más desnudo, sin esconderse detrás de nada, y se sentía realmente vulnerable”.

Esta vulnerabilidad se convirtió en parte de la mecánica misma de la obra, un tipo radical de honestidad y apertura que obligó a o al menos consolaron a las audiencias lo suficiente como para que estuvieran dispuestas para seguir el espectáculo por la madriguera del conejo. Pero una vez Aronofsky estaba involucrado y la idea de una adaptación cinematográfica estaba sobre la mesa, había una nueva pregunta al frente. ¿Podría la historia de Charlie efectivamente ser contada en la pantalla? ¿Era posible hacer una sola ubicación y un personaje mayoritariamente estático, cinemático? Había una tentación inicial de jugar con la geografía, de trasladar algunos de la acción más allá de la casa de Charlie y hacia el mundo exterior con personajes nuevos e inventados, pero tanto Hunter como Aronofsky finalmente desecharon esa idea. “Darren y yo nos sentimos atraídos por el desafío de mantenerlo todo en este espacio donde los personajes están tratando de salvarse el uno al otro. Pero no tenía que sentirse claustrofóbico”, dice Hunter.

“La atmósfera necesitaba sentirse lo suficientemente atractiva como para que el público pudiera perderse en su interior. Los sutiles pero significativos cambios de Hunter entusiasmaron a Aronofsky. “Sam no tenía miedo de ser innovador”, dice. “Un ejemplo es la incorporación del repartidor de pizzas [interpretado por Sathya Sridharan], quien crea uno de los momentos emocionales más grandes de la película. Cuando leí la escena en la que ve a Charlie, estaba completamente convencido de que lo había visto en la obra, pero era nuevo. Cuando tu cerebro convierte una imagen en la página en algo crees que lo viste antes, sabes que es poderoso”.