20th Century Studios y 21 Laps presentan The Boogeyman: El Hombre de la Bolsa, un thriller salido de la mente del autor de best-sellers Stephen King.
Filmar un thriller de terror mientras se aumenta el factor de adrenalina en la oscuridad con una criatura con efectos visuales y al mismo tiempo mantenerlo creíble, creando un mundo visualmente realista en el que el público puede desarrollar empatía por la familia en el centro del terror, es una tarea bastante difícil. Y cuando el director de fotografía Eli Born conoció a Rob Savage, hicieron clic de inmediato, ya que ambos hablaban el mismo lenguaje cinematográfico para The Boogeyman.
Los directores y directores de fotografía tienen diferentes habilidades y diferentes comprensiones del lenguaje cinematográfico, pero Born se entusiasmó cuando descubrió que Savage tenía un gran conocimiento de la lente y de cómo eso puede afectar emocionalmente a la audiencia. “Rob y yo estamos realmente interesados en los matices del trabajo de cámara y de lente”, dice Born. “Es un cinéfilo total. Tenía una carpeta con más de 500 fotografías de diferentes películas de iluminación, lentes de cámara y referencias compositivas”.
Born dice que Savage estaba principalmente interesado en imágenes que utilizaban iluminación de contraste dramático, encuadres internos y el uso del espacio negativo. “The Boogeyman” tiene mucha oscuridad por razones obvias, pero para ambos era importante encontrar el punto medio adecuado entre permanecer en el lado oscuro de las imágenes sin que se sintiera turbio.
“Hay un nivel de control de la iluminación que debe darse con el terror y que es más complicado que en otros géneros. Estás haciendo muchas cosas al borde de la oscuridad”, dice Born.
“Es importante encontrar las áreas de brillo en una escena oscura”, dice Born, “ya sea una ventana, la llama de una vela o una luz de noche, porque quieres ver ese contraste en el encuadre. Ver caras es importante, pero a veces no quieres ver la cara de alguien completamente iluminada. Entonces, una imagen oscura no puede ser simplemente turbia; tiene que tener puntos brillantes”.
Born cita la influencia de viejos maestros pintores como Rembrandt y Caravaggio cuando describe cómo iluminar un marco oscuro, favoreciendo una única fuente de luz suave que se modela en el ángulo correcto en el rostro del sujeto.
“La luz suave luce muy bien en personas y objetos, pero puede ser difícil de controlar porque tan pronto como la suavizas, se derrama en todas direcciones”, dice Born. “Lo que es tan agradable de una pintura de Rembrandt es que tienes un grupo de personas y una luz que entra en el ángulo correcto desde un lado. Eso es bastante difícil de hacer en la vida real, pero cada vez es más fácil”.
Born atribuye a la evolución de la tecnología de iluminación, específicamente a las unidades LED alimentadas por baterías, uno de los mayores cambios de juego en los últimos años. Utilizó muchos tubos Astera Titan por su difusión, versatilidad y facilidad de ocultación. “Puedes esconderlos en cualquier lugar”, sonríe, “proporcionan una forma sencilla de pintar el marco de forma inofensiva”.
Desde el principio, Born entendió el núcleo emocional de estos personajes y lo tuvo en cuenta, asegurándose de que los momentos más sinceros se filmaran de una manera que honrara sus relaciones. “Sí informa nuestra cobertura”, dice. “Hay formas de filmar que hacen que las cosas parezcan hiperrealistas o surrealistas, y hay formas de filmar para subrayar la veracidad”.
El ojo humano comprime el mundo de una manera muy específica y la lente puede simular o desviarse de esa visión. Cuanto más se desvíe la cámara de esa compresión, menos real le parecerá al público. La altura de la cámara y el movimiento de la cámara también influyen en la experiencia.
“Si la cámara está más abajo que la línea de los ojos de alguien o fuera de su línea de visión, y empuja hacia ellos, se sentirá muy dinámico y melodramático, pero es posible que no te conectes con ese personaje de la misma manera que si estuvieras justo en frente”. de ellos, mirándoles a los ojos con una lente de 50 mm”, explica Born.
Born filmó The Boogeyman con la cámara de gran formato ALEXA Mini LF usando Cooke Anamorphic Lentes 1,8x para cámaras de gran formato. La elección de rodar usando LF y Anamorphic tuvo mucho que ver con la ubicación física. Dado que la mayor parte de la historia y el intenso drama de terror tienen lugar dentro de la casa Harper o la casa Billings, la combinación del paquete de cámara y lentes realmente estiró los interiores, dando más espacio al encuadre y una visión más épica, en lugar de contenida.
“Existen algunos desafíos; hay que tener cuidado de no ampliar demasiado el encuadre, y puede ser difícil acercarse físicamente y ajustar las cosas, pero es un encuadre increíble”, dice Born. “Aún tienes esa superficialidad a la que estás acostumbrado con lentes más largos, pero usas una lente más ancha, así ves mucho más de todo sin sacrificar esa caída cinematográfica.”
“Sabíamos que queríamos lograr algunas imágenes bastante estilísticas. Queríamos que todo pareciera un poco como un recuerdo de la infancia, así que eso nos hizo inclinarnos por el anamórfico. También sabíamos que con la criatura moviéndose por las paredes y techos de estas casas, teníamos que establecer firmemente la geografía arquitectónica. La combinación de esas dos cosas determinó nuestro uso del formato anamórfico de gran formato. “
Fuente: Notas de Producción ‘The Boogeyman’ // Walt Disney Studios